Teori Jazz: Sejarah Harmoni Jazz

[ad_1]

Harmony and Jazz Theory

Sarjana musik memandang jazz sebagai gaya Western Art Music (baca musik klasik – klasik, bagaimanapun, adalah benar-benar gaya dari suatu periode). Semua harmoni jazz berasal dari tradisi itu, sementara ritme berasal dari Afrika. Sebagian besar repertoar jazz menggunakan progresi dan bentuk harmonik Eropa. Apa yang unik tentang jazz adalah pernikahan karakteristik Eropa ini dengan irama Afrika, dan gaya infleksi, artikulasi dan vibratos Afro-Amerika yang unik. Satu-satunya koleksi pitch yang digunakan dalam jazz yang unik untuk Western Art Music adalah skala blues (pada C itu adalah sebagai berikut: C, D #, F, F #, G, Bb, C), yang merupakan hasil dari perpaduan Afrika Amerika dari slurs dan sliding pitches (karakteristik juga dari musik Afrika) ke sistem nada tonal utama / minor yang temper.

Karena jazz secara tradisional telah dicirikan oleh perpaduan karakteristik yang menonjol dari dua budaya, dan harmoni berasal dari Eropa, oleh karena itu menyesatkan untuk menggambarkan apa pun sebagai teori jazz atau harmoni jazz. Bahkan 12 bar blues terdiri dari progresi akord Eropa tonal (I, IV, dan V, namun mungkin berdandan dengan harmoni Eropa lainnya. Sebut saja apa yang Anda suka, itu masih semua harmoni Eropa.

Teks-teks jazz hanya mengkodifikasi apa yang para musisi jazz pilih secara gaya untuk digunakan dari keseluruhan palet Eropa – dan sayangnya banyak yang ditinggalkan, atau lebih tepatnya belum berasimilasi, seperti sebagian besar musik abad ke-20.

Oleh karena itu, Anda lebih baik pergi ke sumbernya, yang merupakan teks harmoni klasik. Komposer dan teoritikus Perancis Jean-Philippe Rameau mempublikasikan teks definitif pertama tentang keharmonisan pada tahun 1722. Buku hanya akan, dengan cara, mempersiapkan Anda untuk bisnis analisis skor yang sesungguhnya, yang merupakan tempat Anda akan menemukan informasi penting yang nyata: dalam praktik, di mana itu yang paling mengungkap.

Sebagaimana dinyatakan di atas, skala blues adalah satu-satunya koleksi pitch yang unik untuk Western Art Music. Meskipun benar, misalnya, bahwa tambahan minor ketujuh ke tonik akord dalam 12-bar blues merupakan pencantuman harmonis dari catatan biru, itu tetap tidak mengubah fungsi akor itu dalam perkembangan, atau mengubah fakta bahwa itu adalah perkembangan Eropa. Sementara jazz unik dari musik Eropa karena penggunaannya pada irama Afrika, ritme tidak mengubah bagaimana progresi berperilaku.

Pada abad ke-20, banyak komposer Eropa mulai menulis rangkaian suksesi yang tidak memiliki kunci utama (atonality), tetapi ini belum dimasukkan ke dalam gaya jazz. Musisi jazz dan penonton mereka sayangnya terperosok dalam praktik dan bentuk harmonik Eropa lama. Memang, sebagian besar belum sepenuhnya mencerna musik komposer Impresionis Prancis Claude Debussy dan Maurice Ravel.

Sangat membantu untuk memahami sedikit sejarah musik untuk lebih memahami berbagai gaya yang muncul. Singkatnya, ia berjalan seperti ini: Di ​​Barat, musik adalah modal sampai akhir abad ke-16, di mana saat itu musik menjadi tonal (berdasarkan progresi akord yang bertujuan memuncak dalam irama untuk akord tonik). Sistem tonal berlaku sampai abad kedua puluh, ketika banyak musik cenderung ke arah atonalisme (tidak ada kunci utama). Dalam atonalisme, akord disusun dalam suksesi yang tidak memiliki fungsi dalam arti tonal, tetapi digunakan untuk warna dan bunganya saja. Jazz, bagaimanapun, pada dasarnya masih berakar pada praktik harmonik dari periode klasik dan romantis (harmoni abad ke 18 dan 19).

Buku populer Mark Levine, Jazz Theory, adalah ilustrasi yang bagus tentang pemahaman sejarah musik yang sangat terbatas pada pedagogi jazz. Pada dasarnya menjalankan sistem Berklee College menerapkan skala chord dan mode untuk progresi akord. Hal ini perlu untuk berteori agar tiba di mana skala (sewenang-wenang terbaik) ini harus diterapkan. Dengan cara ini, nama-nama modal Yunani diterapkan pada sistem nada tonal yang sama sekali bukan modal. Memang, para penggubah Eropa, yang musisi jazz meniru, tidak menggunakan mode dalam musik tonal: mereka menggunakan nada non-harmonis untuk mendorong garis mereka ke depan.

Ini, saya harap, berita menarik yang menarik dari sejarah: Beberapa tahun yang lalu, saat menulis disertasi doktoral saya, saya mewawancarai Jerry Coker, yang merupakan salah satu yang pertama yang memegang posisi penuh waktu sebagai Profesor Jazz di perguruan tinggi atau universitas . Dia mengakui kepada saya bahwa dia menggunakan sistem modal ini – dengan nama-nama Yunani – untuk mengesankan para administrator klasik yang mendominasi departemen musik – sehingga mereka mungkin mengambil pendidikan jazz dengan serius. (Mereka telah berada di perguruan tinggi selama lebih dari 100 tahun, sementara pendidikan jazz hanya diakui kurang dari 50 tahun yang lalu.)

Coker menjelaskan bahwa seandainya dia mengajarkan pendekatan tradisional yang lebih langsung dan masuk akal ke dalam bentuk seni yang tidak mengenal usia ini, itu akan melintas di atas kepala mereka. Mereka tidak menyukai kita. Satu-satunya alasan jazz ada di pendidikan tinggi adalah karena pendaftaran: Mahasiswa menuntut kursus jazz.

[ad_2]

Solo Fingerstyle Jazz Guitar – Earl Klugh Is A Living Legend!

[ad_1]

Earl Klugh lahir di Detroit, Michigan pada 16 September 1953. Dia pertama kali belajar piano dan setelah itu mulai bermain gitar ketika dia berumur sepuluh tahun. Minat pertamanya adalah pada lagu-lagu gitar rakyat. Ketika Klugh berusia tiga belas ia mendengar beberapa rekaman oleh Chet Atkins dan tiba-tiba menyadari potensi harmonik dan melodis dari gitar. Penemuan ini bahkan semakin meningkat ketika ia mendengar rekaman gitar jazz dari George Van Eps, Wes Montgomery, George Benson, Charlie Byrd, dan Laurindo Almeida.

Saat mengajar gitar di toko musik di Detroit, Earl terdengar oleh saxophonist Yusef Lateef. Yusef begitu diambil oleh jazz bermain enam belas tahun pada gitar klasik string string nilon yang dia mengundangnya untuk duduk dengan kelompoknya di Lounge Keyboard Baker's lokal. Dia kemudian memamerkan Klugh pada album Atlantic Records-nya "Suite 16".

Tahun berikutnya Earl Klugh diperkenalkan ke George Benson di Baker's Lounge. Seperti Lateef, Benson kagum dengan pendekatan jazz Klugh pada gitar klasik. Mereka bekerja bersama beberapa duet dan pada tahun 1973 Klugh bergabung dengan kuartet baru Benson. Ini adalah awal dari persahabatan yang erat dan panjang antara dua gitaris. Mereka merekam dua album bersama di label rekaman CTI.

Earl kemudian didekati oleh Chick Corea untuk bergabung dengan grup populer "Kembali ke Selamanya" – kali ini dengan gitar listrik. Dia menerima dan melakukan tur selama 2 bulan dengan grup jazz rock populer ini yang termasuk bassis Stanley Clarke dan drummer Lenny White. Setelah ini, Klugh melanjutkan untuk tampil dengan penyanyi Flora Purim dan pianis George Shearing. Ini memberinya pengalaman penting bekerja dengan berbagai artis jazz terkemuka.

Sejak saat itu Earl Klugh telah menjadi salah satu gitaris jazz yang paling sukses pada hari itu. Beberapa rekamannya berada di jalur komersial tetapi rekaman trio saat ini dengan bass dan drum akustik mengungkapkan bahwa dia adalah musisi jazz yang sangat berbakat dan imajinatif dengan pendekatan unik untuk memainkan pengaturan instrumental jazz dan standar pop pada gitar.

Musiknya telah disebut segala sesuatu mulai dari pop / jazz dan crossover hingga fusi dan halus, tetapi dalam kenyataannya Earl Klugh adalah gitaris akustik melodi dengan nada cantik yang telah memutuskan untuk menggunakan gitar klasik string string konser. Dia secara teratur mengatakan bahwa dia tidak melihat dirinya sebagai pemain gitar jazz dan dia merasa bahwa pengaruh utamanya pada gitar adalah Chet Atkins. Setelah menemukan gayanya sendiri dan terdengar lebih awal, Earl terus menjadi yang terbaik sepanjang karirnya, mendapatkan penghargaan dari para gitaris dan kritikus musik lainnya dan tetap tampil secara teratur di klub jazz dan restoran kelas atas.

[ad_2]